«Je ne pense pas que nous devenions meilleurs, perfectionnés. L´Homo Sapiens a acquis un style de conduite basé sur la pensée abstraite, sans pour autant échapper à sa constitution biologique, qui le domine dans son environnement. La pensée abstraite a engendré la culture […] L´evolution culturelle et l´evolution biologique ne sont, à mon sens, qu´une seule et même chose, et les paramètres qui la contrôlent, mutation, adaptation, simbiosis, ont des manifestations similaires à la culture» Denis Baron, La chair mutante. Paris: Dis voir, 2008 _____________________
vuelvo del sur. encontré el espacio donde dejar abandonado ese pasado hasta mi celular se descargó
mi móvil dejó de funcionar
0056-9-682XXXXX
0034 - 66326XXXX
fue doloroso (al principio). luego un gran alivio.
amigos de colegio. dormir toda la noche arriba de un bus.
miramos el mar desde lo más alto. también se veía el río.
valdivia, niebla, el molino
el molino, niebla, valdivia
siempre tuve un puñado de historias de amor en la mano
«My transgenic artwork "GFP Bunny" comprises the creation of a green fluorescent rabbit, the public dialogue generated by the project, and the social integration of the rabbit. GFP stands for green fluorescent protein. "GFP Bunny" was realized in 2000 and first presented publicly in Avignon, France. Transgenic art, I proposed elsewhere [1], is a new art form based on the use of genetic engineering to transfer natural or synthetic genes to an organism, to create unique living beings. This must be done with great care, with acknowledgment of the complex issues thus raised and, above all, with a commitment to respect, nurture, and love the life thus created.»
Empleó el muchacho un novedoso elemento publicitario: colgó en flickr imágenes de los cadáveres aún calientes, como contrainformación veraz frente a la edulcoración de la prensa tradicional. Pero esta vuelta de tuerca a la teoría deleuziana, utilizar las máquinas informáticas contra las mismas sociedades de control capitalistas que las crearon para controlarnos, enseguida queda obsoleta como toda teoría sociológica basada en la tecnología. La innovación de ofrecer aquellas imágenes duró sólo unas horas, después fue engullida por la rabiosa voracidad de la Red. Enseguida tan demodé como las mismas hermanas Koplowitz.
Los cambios suceden, no importa cuánta gente quiera que las cosas sigan igual. Como seres humanos tenemos que cambiar. Óscar Gual, Fabulosos monos marinos. Barcelona: DVD, 2010
Se publica en Boca de Sapo un artículo sobre el ensayo español en el siglo XXI (21)
ENSAYO ESPAÑOL EN EL SIGLO 21 DEL ENSAYO DE OCASIÓN A LA MANUFACTURA
Copio y pego una parte del texto Puede leerse completo aquí
En un artículo de reciente aparición, Félix de Azúa analizaba la situación actual del pensamiento en España, tomando como testigo la publicación del ensayo Nunca fue tan hermosa la basura (Galaxia Gutemberg, 2010). En el artículo, que se titulaba “La filosofía en el vertedero”, Azúa denunciaba el carácter moribundo del género, a excepción de una serie de autores, entre ellos José Luis Pardo, a los que hacía responsables del resurgir de un “pensamiento filosófico” propio, renovado. Según parece, ésta no es una situación al margen del resto de disciplinas, sino que responde a un patrón de auto-emulación, que deja muy de lado la “verdadera” investigación estética. O, lo que es lo mismo, la innovación como proyecto de compromiso con la actualidad.
De algún modo, esto es algo que podría leerse en términos de retraso sociocultural, aunque ha sido con el inicio del siglo XXI cuando la necesidad de actualización de los patrones de pensamiento heredados ha comenzado a hacerse explícita; y a ser relevada por pensadores que podríamos considerar de “nueva generación”: Eloy Fernández Porta, Vicente Luis Mora, Agustín Fernández Mallo o Juan Freire. También al alimón con esos otros autores que se debaten entre ambas direcciones (la auto-emulación y la renovación), que no han de ser necesariamente opuestas a fin de generar alternativas. Pienso en autores que están amparados por la Institución cultural y la Academia, y cuya producción ensayística se caracteriza por haber sabido acomodar sus discursos a los imperativos de este tiempo .
Por otro lado, y con independencia de lo que parecen indicar las cifras de venta editoriales (el ensayo de ocasión), la actividad filosófica en el ámbito nacional es hoy una práctica minoritaria. Primero, porque no todos sus protagonistas están dispuestos a asumir el esfuerzo que supone afrontar la compleja tesitura social en la que nos encontramos y, segundo, porque la comodidad profesional es hoy (y más que nunca) un valor en alza. Ahora bien, lo que ocurre es que cada vez resulta más difícil mantenerse al margen de la “realidad” contemporánea, cuya fundamentación pasa, inevitablemente, por la cultura y el consumo masivos, la publicidad y los dispositivos tecnológicos. Lo que aquí se requiere es una traducción discursiva de una facción estética que es común a todas las sociedades desarrolladas, aunque no sea tarea fácil. Hay que pensar que el coste de evitar este tipo de implicaciones conlleva un precio aún mayor, como es la extenuación intelectual a causa de aproximaciones miopes que sólo producen ruido de fondo y saturación editorial.
Por eso mismo habría que destacar la producción ensayística de autores como Manuel Castells, José Luis González Quirós, José Luis Brea, José Luis Molinuevo, Félix Duque o José Luis Pardo. Pues cada uno a su modo ha sabido conciliar la escritura académica con poéticas de naturaleza más excéntrica, sin llegar a convulsionar demasiado el stablishment algo recalcitrante al que pertenecen: la Universidad. Hasta el punto de que es este equilibrio entre el academicismo y cierta escritura contracultural lo que ha hecho posible que actualmente contemos con nuevos espacios para la crítica y la reflexión filosófica sobre el presente, de manera más efectiva. Es decir, asumiendo el contexto contemporáneo en toda su complejidad, pues sólo así pueden medirse las cualidades específicas de una determinada sociedad. Por eso ya no es posible interrogar al presente sin considerar aspectos como la globalización, el terrorismo o el consumo masivo, la injerencia de las nuevas tecnologías, o la cultura popular.
Según lo veo, y retomando la cuestión del ensayo en España, podríamos considerar como punto de inflexión de este proceso de apertura y renovación, la aparición en 2003 de Repensar la cultura de José Luis González Quirós. Que fue un texto contenido y algo cauteloso en el que, sin embargo, ya se apuntaba la necesidad de revisar el concepto de cultura a la luz de los acontecimientos históricos más recientes. En este sentido, y considerando la cultura como agente fundamental para el desarrollo de una sociedad, González Quirós subrayaba el carácter “problemático” que ésta planteaba en el momento de su recepción, tras haber asumido los presupuestos programáticos posmodernos. De algún modo, esto constituía una “novedad histórica” que llevaba cierto grado de confusión en su propio planteamiento: “la cultura que ordinariamente deberíamos tener como propia […] nos resulta extraña, y a sus creadores les resultamos extraños muchos de nosotros” (González Quirós, 2003: 225). Una situación de incomodidad frente a los productos culturales de esta época, cuya razón estética está aún por definir, pese a la proliferación de ensayos y artículos en torno a la posmodernidad y el posmodernismo.
De este modo, quedaba planteada no ya la necesidad de repensar la cultura, sino de elaborar un discurso en torno a ella con herramientas actualizadas, o en el caso de tratarse de las ya establecidas (actualmente ocurre con la categoría no-lugar de Augè ), siempre después de haberlas sometido a revisión o a un previo reciclaje. Un desafío no poco ambicioso, que tres años más tarde desembocaría en una compilación de ensayos (coordinada también por González Quirós), donde una serie de autores acotaba desde flancos diversos la situación actual de la cultura y, más en concreto, los conceptos de creación e innovación en el contexto social contemporáneo. El volumen, Los rascacielos de marfil (Lengua de Trapo, 2006), proponía un análisis del presente de manera integradora; un recorrido plural por los distintos ámbitos de la sociedad atendiendo al orden de la innovación. Revisando al mismo tiempo el concepto de “novedad” y su relación directa con el actual uso del “gusto” como dispositivo comercial.
Una actitud que, bajo mi parecer, sería el punto de convergencia de los ensayistas arriba mencionados: resolver desde dentro los “problemas” inherentes a nuestro tiempo, con el fin de alcanzar soluciones satisfactorias; o sea, coherentes, en tanto reactivación de los discursos filosóficos dirigidos hacia el carácter multidimensional de la actualidad (sería el caso de Manuel Castells en La sociedad red (Alianza, 2006) o Comunicación y poder (Alianza, 2009)). Aunque también encontramos discursos que parten de la filosofía del arte para abordar una determinada sensibilidad: “la ética de los falsos consuelos” (Duque, 2004: 106) a partir de las distintas representaciones artísticas del terror(ismo), el horror, el dolor y la violencia como síntomas de época. La cultura popular en relación a sus transformaciones más recientes (José Luis Pardo) o la dimensión visual (imágenes) de la actualidad, como serían los casos de José Luis Brea y José Luis Molinuevo.
Lugar [recientemente] común Vivimos en una época de subcultura y exceso de trabajo;
una época en la que las gentes son tan laboriosas que se han vuelto estúpidas.
La manera más segura de no saber nada de la vida
es procurar ser útil.
________ Wilde, Oscar (2010) 1890. La importancia de discutirlo todo. Rey Lear. Barcelona
La noción de velocidad es una cuestión primordial que forma parte del problema de la economía. No se puede separar la velocidad de la riqueza. La velocidad es un medio.
poder y riqueza
Quien dice poder, dice, ante todo, poder dromocrático -dromos procede del griego y quiere decir "carrera"-, y toda sociedad es una "sociedad de carreras" [...] El poder es siempre el poder de controlar un territorio mediante mensajeros, medios de transporte y de transmisión.
la velocidad es el poder mismo
Lo propio de la velocidad absoluta es ser también poder absoluto, control absoluto, instantáneo, es decir,un poder casi divino. Hoy en día, hemos puesto en práctica los tres atributos de lo divino: la ubicuidad, la instantaneidad y la inmediatez; la visión total y el poder total.
La velocidad cambia la visión del mundo.
[Fuente] Virilio, Paul (2005; 1997). El cibermundo, la política de lo peor. Madrid: Cátedra
Acabo de publicar en Espéculo este artículo sobre la teoría postpoética de Agustín Fernández Mallo. Una propuesta hermenéutica a partir del film Stop Making Sense y la poética de la Bauhaus.
Con estas palabras comenzaba uno de los conciertos más importantes de la historia musical de nuestra época. El show Stop making sense interpretado por Talking Heads, una de las bandas más significativas de la new wave rock music que emergió durante los años setenta y ochenta del siglo pasado. Para situarnos, la banda se formó a mediados de los setenta con David Byrne a la cabeza, Tina Weymouth y Chris Frantz. Los tres eran alumnos y compañeros de estudios en la Rhode Island School of Design (RISD), en Estados Unidos, donde también se formaron algunos de los creativos más singulares de la actualidad, como son Gus Van Sant, Seth Macfarlane, o Shepard Fairey. Si esto ocurría en 1975, un año después se unía a la formación Jerry Harrison, miembro fundador de otra mítica banda, The modern lovers.
Como podemos suponer, la época de estudios en la RISD los mantuvo en contacto con algunas de las propuestas estéticas más vanguardistas de la época, cuyas influencias pueden rastrearse tanto en sus trabajos de estudio como en los directos de la banda, pero muy especialmente en el diseño, la edición y el montaje de esta rock movie que, sin lugar a dudas, constituye la puesta en escena de una poética.
“Why stop making sense? Why a movie? Why a big suit? Where do the odd movements come from? What will the band do next? Stop making sense”
Tanto es así, que lo que se pretendió con este proyecto fue plasmar aquello a lo que normalmente uno no tiene acceso, pero sí intuye, a través de los trabajos del grupo, que por aquel entonces ya contaba con una exitosa trayectoria que iba desde el discreto Talking Heads `77 al Remain in light de 1980, el último trabajo en el que colaboraría Brian Eno como productor, vinculado a la banda desde 1978. Si tenemos esto en cuenta, son varios los factores que convergen y garantizan, en cierto modo, la pulsión estética que apuntamos; por un lado la formación y preocupación artística de los componentes del grupo y, por otro, la clara influencia de la sensibilidad musical de Brian Eno, uno de los músicos y compositores más importantes de estos últimos tiempos, cercano a las direcciones experimentales de John Cage o el Movimiento Fluxus, tal y como comprobamos en Music for airports (1978) o Empty landscapes (1981), dos de sus trabajos en solitario, pero también en sus colaboraciones no ya con Talking Heads, sino también en su formación Roxy Music o en sus trabajos con artistas como David Bowie o el propio David Byrne. Porque la afinidad de Eno con Talking Heads, pero sobre todo con David Byrne, es indiscutible; de hecho, desde su incorporación a la banda como productor, el giro estético de los álbumes sucesivos fue cada vez más decisivo. De forma que esto supuso el inicio de una nueva etapa en la carrera creativa de Talking Heads, cuyos comienzos fueron discretos, pese a que con el tiempo serían justamente esas primeras composiciones las que pasarían a convertirse en temas fundamentales (y generacionales; pensemos en Psycho Killer) de nuestra herencia musical más reciente.Talking Heads. Psycho Killer
En este sentido, el film Stop making sense (Jonathan Demme, 1984) supuso la concreción de una intensa trayectoria de creación musical y audio-visual (con videoclips tan memorables como Once in a lifetime, Road to nowhere o And she was) que vino a confirmarse con toda una serie de reconocimientos y premios de prestigio. Como no podría ser de otra forma dado el contexto artístico de la banda, el alcance de este proyecto fílmico fue tan importante que de algún modo los documentales musicales no volverían a ser lo mismo a partir de entonces. Hay que pensar que Stop making sense ha pasado a la historia como uno de los mejores conciertos que se hayan registrado en este género. Según Wikipedia [1], “la primera película de sonido completamente digital de toda la historia”, aunque quizá lo más importante fuera la particular actitud que se manifestó a lo largo de esos conciertos (cuatro sesiones en el Patanges Theatre de Hollywood), hasta el punto de ser comprendidos más como aclaración (y declaración) estética que como simples conciertos. No es casualidad, pero mucho menos simple esteticismo, que se cuidaran tanto la puesta escena y los detalles. Profundizando en el trabajo, son significativas las alusiones fílmicas (Kubrick con Dr. Strangelove, tal y como vemos en el trailer, que sigue su mismo patrón, o Godard y la escena final de Breathless con Belmondo desfalleciendo, recreado ahora por Byrne en los punteos finales de Pyscho killer, el tema de apertura de Stop...). Pero también los planos utilizados, el protagonismo del público (muy atenuado, pese a ser una representación abierta) y la disposición y recreación de los espacios de la escena (desde los bastidores, donde se situaron los coros) hasta el vaciado decorativo y el tránsito de los operarios, que iban transformando el montaje del escenario según se iba desarrollando el evento; otra work in progress llevada en este caso a la puesta en escena del grupo. Del mismo modo que tuvo lugar la incorporación de la propia banda al escenario, que fue siguiendo un orden marcado por su participación en las canciones que aparecían en los track list. Así, fue David Byrne quien apareció primero en escena, con una guitarra acústica y un radiocassette, dando comienzo al espectáculo con Pyscho killer y estas palabras: Hi, I have a tape I want to play. La ironía se filtraba así a la escena, tal y como ocurriría después con ese traje gigante de ejecutivo (toda una proyección de los usos y modos de la sociedad contemporánea. El tema: Girlfriend is better) y sus movimientos pretendidamente epilépticos.
Se trataba de no facilitar la pérdida de atención para evitar la distracción de la representación (la música, pero también lo visual) que podrían ocasionar los juegos de luces, los efectos, etc. Era un proyecto total, por eso se atenuaron los colores y se cuidó tanto la iluminación, hasta el punto de intervenir los micrófonos con pinturas mate que rechazaran el reflejo de la luz, como hicieron con los apoyos y la supresión de objetos ajenos a la escena (botellas de agua, toallas...etc.). Desde luego, no les interesaba crear un producto tipo, es decir, un producto MTV, que era un género ya entonces establecido, sino crear un producto abrumador en el que fuera difícil la emancipación de los sentidos. Por eso se inyectaba una iluminación en la que predominaban los claroscuros y se evitaban las tomas de audiencia, los planos en picado y las reacciones del público.
Como sabemos, en estos últimos años se ha producido en el ámbito social un viraje hacia lo visual, pero hacia lo visual-digital, que ha interferido en todos los espacios de la vida cotidiana y, por lo mismo, en muchas de las producciones artísticas actuales, sean éstas de la naturaleza que sean. Tanto es así, que podemos hablar de una tendencia en ascenso que se manifiesta incluso en los lugares reservados a lo privado; haciendo de la imagen digital no sólo el soporte de la experiencia contemporánea, sino su medio y archivo indiscutible. Pensemos si no en cómo cada vez es más común asomarse a la vida a través de pantallas LCD o ipads,como comprobamos a diario.
De algún modo podemos decir que estamos ante una nueva forma de programación y registro del mundo de la que el píxel constituye un particular ADN.
Según Wikipedia, hay que entender por píxel “la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital, ya sea ésta una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico”
Aunque también hay otras versiones que pueden considerarse, como ésta que tomo de los epígrafes que abren Carne de píxel (DVD, 2008)y que dice:
“Píxel [Picture Element]: mínimo elemento de ima- gen que contiene toda la in- formación visual posible”
Un texto donde el píxel recibe un particular tratamiento más allá de lo estrictamente matemático (al fin y al cabo todo píxel es información numérica); o lo que es lo mismo, el píxel como medio de aproximación y difusión de la materia, de la carne, como si se tratara de una “opacidad transparente” o de un vacío pleno. Aunque esto sea tan sólo una propuesta de lectura.
No deja de ser desconcertante hablar de carnalidad en relación al píxel; más aún si nos referimos a la propia carnalidad (¿carnalidad!) de un píxel. Paradoja o no. Copio un texto de Agustín Fernández Mallo de la obra citada arriba: "hay algo en el píxel de carnal y abstracto, cua- driculada superficie que contiene toda la infor- mación visual posible, agota su sentido, y sin embargo es una cifra, está vacío. Hay en el píxel una metafísica. Origen, piel acristalada, protei- co paisaje, el viajero que llegando a Región. Más tarde cada cual fue concibiendo su sembrado de rosas cúbicas, cubículo, cubicaje [como quieras llamarlo]. Ganó tu sexo en nitidez. Fracasó en particular la carne de las rectas para llegar a lo único que son, y=ax+b; letras. El resto, arrebato de lo que no existe: ficción: pura espectroscopia."
La nostalgia
Durante estos útlimos años, hemos podido observar cómo se ha mejorado (perfeccionado) la resolución de los dispositivos de última generación, llegando incluso a grados insospechados de precisión: zoom, funciones macro...etc.
“Un píxel alcanza los 8 bits (28 colores), 24 bits (224 colores) o 48 bits (240 colores), este último valor de precisión sólo se obtiene con escáners o cámaras de gama alta (que usen formato raw o tiff, no en jpg)”.
Hasta el punto de haber generado, por contrapartida, un movimiento nostálgico de regreso a las formas pre- de resolución de las imágenes digitales: aquellas que caracterizaban los juegos de arcade o los videojuegos de Super Mario, Don King Kong... y que hoy encontramos estampadas en camisetas de diseño y objetos decorativos, en general dirigidos a los actuales treintañeros (y en adelante), que fueron sus ávidos consumidores entonces. O no, pero que de igual modo aún se identifican con esa estética.
Una pulsión retro en la tecnología actual, en una vertiente estilística o, digamos, epidérmica, que no conlleva renunciar a las últimas innovaciones tecnológicas (herramientas, aplicaciones, soportes...), porque lo obsoleto tecnológico no regresa si no es como fetiche.
Lo vemos en esta libreta-disquete que es en sí misma una anécdota o una muestra de ingenio, pero ya. Y también en este video, pero de un modo más cerrado, concertando alta resolución y pixelados “low-fi”/arcade, bajo tintes nostálgicos solucionados por expertos, seguramente también freaks informáticos. Aquí dejo el video
"The 8bitpeoples first came together in 1999 as a collective of artists sharing a common love for classic videogames and an approach to music which reflected this obsession. Our primary interests were to provide quality music for free and most importantly to have fun. In the years since, we have grown in rank and expanded our goals.
[...]
Our love for the audio/visual aesthetics of early videogame consoles and homecomputers continues to provide us with the drive to push the medium to its very limits, and then see just how much further we can go after that ... you know, just for fun."
